LA BANDA SONORA DEL CURSO DE GOLUCHO

Todos tenemos canciones que nos transportan a lugares concretos y nos hacen revivir emociones. Una larga lista a la que añadir, desde la semana pasada, Human de The Killers, canción que forma parte del álbum Day & Age y que me acompañó en el viaje de Málaga a Olula del Río y en los veinte minutos de trayecto diario de ida y vuelta entre el complejo Reul Alto, donde nos alojábamos, y el Museo Casa Ibáñez, donde Golucho impartía el curso-taller de pintura.

   Había escuchado el tema hacía unos años y me pareció una de esas canciones brillantes que te transmiten energía y buenas vibraciones, pero fue unos días antes de irme al curso cuando me topé con el CD curioseando en la Fnac. El recuerdo de aquellas sensaciones, junto a lo bonito de la portada, me animó a comprarlo. Luego, ya en casa, curioseando el libreto de la cubierta vi que ésta era obra del artista británico Paul Normansell (Birmingham, 1978) quien también había retratado en el interior, con su particular estilo, a los cuatro componentes del grupo; un estilo que me recuerda al Chuck Close que vi en el 2009 en el MOMA de Nueva York o a los collages de Viz Muniz que vi hace dos semanas en el CAC de Málaga.

   En definitiva, que el azar quiso que el disco llegase a mis manos, cuatro años después de grabarse, y que se convirtiese en la banda sonora de estos días, mía y de todos los que me acompañaban en la Renault Kangoo camino del Museo. Para vosotros va dedicada esta entrada.

Retrato de Brandon Flowers, obra de Paul Normansell.

APRENDER

Me gusta la palabra aprender, que viene del latín apprehendere. Aunque su acepción original es apoderarse, coger, agarrar o prender algo físico, me gusta más en el sentido de coger o captar algo  nuevo mediante la mente, es decir, adquirir conocimientos en una materia por parte de los alumnos, que es lo que uno hace cuando asiste a estos cursos, cátedras o talleres de pintura, en los que una no deja de crecer. Cursos que te ayudan a encontrar o afirmar tu voz artística, y en los que no sólo se aprende de los maestros sino también de los compañeros.

   Desde aquí, con unas simples fotografías, quiero darle las gracias a todos los que han sido mis profesores en los distintos cursos a los que he tenido la suerte de asistir a lo largo de este año. Gracias por prestarme esa atención personalizada, por hablar de mi trabajo, por ver mis dosieres y analizar mi obra durante tanto rato. Es algo tan valioso que a mí, en algunas ocasiones, incluso se me saltaban las lágrimas de la emoción. Que sepáis que el mayor regalo que me habéis dado es aquello que un pintor más necesita: el estímulo.

Con Antonio López. Olula del Río, mayo 2012

Con Andrés Ibáñez. Olula del Río, mayo 2012

Con José María Mezquita. Ávila, julio 2012

Con Golucho. Olula del Río, septiembre 2012

   Gracias de corazón.

Nota: Fotografías de Juan Sánchez Romero (salvo la de José María Mezquita).

LA DOLCE VITA

Esta semana pasada, en tres sesiones (es lo que tiene la vuelta al cole) y con una copa de Martini Royale bien frío en la mano, he visto La Dolce Vita, esa mítica película estrenada en 1960 que para mí, y con todos los respetos al gran Fellini, no ha envejecido bien (o quizás la culpa de ello la tenga el doblaje). Mi pareja, que es un enamorado del cine italiano, no comparte esa opinión pero claro, él es ver a Anouk Aimée o a Anita Ekberg y empezar a salivar como el perro de Paulov. Aunque a él le van más las morenas que las rubias, es escuchar el "¡Marcello (pronúnciese Marcheelo), come here! ¡Hurry up!" y tener que levantarse a por un vaso de agua fría para no acabarse la copa de un trago. 

   Pero bueno, que me voy por las ramas y me olvido del motivo de la entrada: anunciar "Los años de la dolce vita", la exposición que desde hace una semana acoge la Sala Canal de Isabel II de Madrid hasta el 6 de enero de 2013, en la que se revive el esplandor de Roma durante los años 50 y 60 cuando la capital italiana y sus estudios de Cinecittá eran el mayor y mejor plató de Europa  y  venían hasta aquí para rodar los más famosos interpretes y directores americanos.

   En la sala se pueden ver un total de 160 fotografías realizadas por los reporteros más conocidos de la época, entre los que destacan Marcello Geppeti, Arturo Zavattini y Tazio Secchiaroli, este último fue el inspirador del personaje del Paparazzo en La Dolce Vita.

   Las imágenes recogen momentos de trabajo y ocio de lo más granado de Hollywood: Elizabeth Taylor y Richard Burton, Gregory Peck y Audrey Hepburn, Charlton Heston, Kirk Douglas o Gary Grant, entre otros, junto a estrellas italianas y francesas de la talla de Sofía Loren, Gina Lollobrigida, Anna Magnani, Marcello Mastroianni, Brigitte Bardot, Romy Schneider o Alain Delon.

   Una buena oportunidad para todos los amantes del cine, la fotografía y la dolce vita.

   

"Los años de la dolce vita"

Sala Canal de Isabel II de Madrid.

Desde el 8 de septiembre hasta el 6 de enero de 2013

(consultar horarios y días de cierre)

LO QUE PUEDE ESCONDER UN PLATO DE ESPAGUETIS

Vik Muniz, en su Sao Paulo natal, debió de ser uno de esos críos que ve animales en las nubes y formas caprichosas en el moteado de algunas baldosas. Quizás su madre, su abuela o alguna de sus tías eran capaces de leer los pozos del café o, más propio del país, interpretar los búzios tirados sobre la arena de la playa para saber qué suerte les iba a deparar su orixá. Tal vez por ello, el Muniz adulto juega a mostrarnos la Medusa de Caravaggio en un plato de espaguetis o a reinterpretarnos la Gioconda de Leonardo con un poco de mermelada o de mantequilla de cacahuete. Vik Muniz, usando materiales tan poco convencionales como esos, se atreve a representar obras de arte clásicas y rostros de personajes conocidos y, como si de un juego se tratase, nos incita a descubrir esas imágenes: la Alice Liddell de Lewis Carroll hecha con juguetes, los monstruos de la Hammer pintados con caviar, las actrices Monica Vitti y Elizabeth Taylor realizadas a base de diamantes o el retrato del mismísimo Muniz hecho con restos de revistas que hablaban sobre él. Eso sí, lo que vemos son fotografías. Muniz elabora sus composiciones en su taller y luego las fotografía para poder llevarlas a las salas de exposiciones. Cualquier material es válido para este diseñador y publicista metido a pintor, escultor y fotógrafo que reside en Nueva York desde finales de los 80, así que antes de tirar nada piense en reciclar pues, como dice el brasileño, "el momento en que el material se transforma en la idea es sublime".

                                                                             

                                                                                                          

   Lo de Muniz, criado en un barrio pobre paulista y en una familia ajena al arte, es también una historia de superación y de azares: un crío que desde pequeño encuentra en el dibujo su tabla de salvación y al que le gusta hacer caricaturas de sus profesores, uno de esos profesores que, lejos de regañarle, lo presenta a un concurso de dibujo, y ese Muniz adolescente que va y lo gana y recibe una beca de premio y empieza a ver el arte como una posible salida. Y, más adelante, una bala perdida en un tiroteo que va a alojarse en su fémur, y el autor del disparo que se lo compensa con dinero, un pasaje a Nueva York donde Muniz trabajará en múltiples oficios, pero ya sin olvidar aquella salida del arte a la que dedica todo el tiempo libre que es capaz de robarle al día. Y así hasta que la serie de retratos Los niños de azúcar lo catapulten al MOMA, una serie de retratos de niños felices hechos con azúcar, sinónimo de la dulzura de la infancia, unos rostros de niños que contrastan con los de sus padres, tristes, explotados en la recolección de la caña de azúcar. Ese es Muniz, un tipo divertido y trasgresor, pero a la vez  un artista comprometido con la sociedad, que da un sentido oculto a cada una de sus obras.
   En definitiva, un divertimento de altura y un arte contemporáneo accesible a todos.

Vik Muniz (Sao Paulo, 1961)
Muestra de su obra (el autor no quiere calificarla de retrospectiva) en el CAC Málaga.
Del 4 de septiembre al 2 de diciembre.

11-S: AUSENCIAS

Ausencias. Obra de Lucía Rodríguez Vicario, óleo sobre tabla, 70x70 cm

En septiembre del año pasado terminé el cuadro en el que estaba trabajando antes del verano: una vista de Manhattan desde el barco que viene de la Estatua de la Libertad y Ellis Island. Tomé la fotografía en enero de 2009, y en el lugar que debían ocupar las Torres Gemelas se observaban unas grúas amarillas. En un principio opté por ignorarlas pero más tarde, viendo en las noticias el recordatorio del décimo aniversario de la tragedia, decidí incluirlas en la obra. Una obra que muestro ahora aquí, como homenaje, en el undécimo aniversario del 11-S.

Ausencias forma parte del proyecto de una serie de estampas de Nueva York que van acompañadas de breves fragmentos de novelas que se desarrollan en esta ciudad.

EL SECRETO DE LA ORIGINALIDAD

"Antes que nadie, Stendhal intuyó que en la pintura el tema acabaría volviéndose secundario, y que lo que importa al escribir no es el dominio de una serie variable de modas retóricas, sino la expresión natural de una mirada, de una voz. Una voz no impostada es siempre singular: el único secreto de la originalidad, comprendió muy pronto, en una anotación de su diario cuando tenía poco más de veinte años, era ser tranquilamente, obstinadamente uno mismo".

Stendhal, retrato de Johan Olaf Sodemark

Texto extraído del artículo El vicio Stendhal, de Antonio Muñoz Molina, publicado en El País Babelia el 14 de julio de 2012.

MES DE LOCOS

Septiembre es un mes de locos para todos aquellos que tenemos niños: se acaban las vacaciones y toca madrugar y las carreras para que estén a su hora en la fila. Hay que forrar los libros, comprar todo el material que te piden...

   Pues bien, para mí será más loco todavía, ya que he sido admitida en el Curso-Taller para Pintores que impartirá el maestro Golucho del 17 al 21 de septiembre en Olula del Río, Almería. ¡Todo un lujazo!

   Y por lo que me cuentan, coincidiremos muchos de los que estuvimos en mayo con D. Antonio López y Andrés García Ibáñez.   
  
¡¡¡Qué bien volver a Olula!!!


Breve biografía de Miguel Ángel Mayo "Golucho"
(Extraída de la Wikipedia) 

Miguel Ángel Mayo, conocido como Golucho, nació en Madrid en 1949 donde aprendió pintura de forma autodidacta estudiando la colección pictórica del Museo del Prado y del Casón del Buen Retiro. Desde el mayo de 1968 hasta 1973 fijó su residencia en París, donde vivió la bohemia que aún alberga su espíritu: "Más que por la calidad artística, por el modelo de vida, el modelo bohemio a mí me interesa mucho..." Tras estos cinco años de ausencia por la península, volvió con el fin de explorar las relaciones expresivas del realismo iniciando junto a pintores como Andrés García Ibáñez y Dino Valls la nueva figuración española o nuevo realismo. Junto a estos dos pintores, Antonio López y Noé Serrano entre otros, han creado el manifiesto contemporáneo La Gallina Ciega donde se analizan los criterios estéticos y valorativos del arte contemporáneo así como se reclama una vuelta al arte de calidad intelectual sin que ello lleve al desprecio de los procesos artesanales en el arte. En palabras del pintor: "La pintura, el dibujo necesita manos, si no tiene manos no la haces. El pintor tiene que tener una calidad de oficio, de artesano".
   Golucho es un pintor de enorme autoexigencia cuya obra se enmarca en las corrientes del nuevo realismo. Tiene predilección por la representación de la figura humana, creando una pintura de las calidades en las que los matices de color armonizan de forma coherente con recursos técnicos como las aguadas, la superposición de capas o los rasgados en el soporte.
   La obra de este pintor se ha expuesto en ciudades como París, Bruselas, Filadelfia y Nueva York y, desde que ganó en el 2007 el II Concurso de Pintura y Escultura Figurativas con la obra Retrato de Insomnios, se ha podido disfrutar de su obra también en ciudades españolas como Barcelona, Córdoba, Melilla, Almería y Alicante.
   Residente en la actualidad en la ciudad alicantina de Alcoy, el pintor también poeta, continua elaborando su personal manifiesto artístico a través del nuevo realismo.
   Retrato de insomnios y otras obras:

THE PRETTIEST STAR

A veces, la banda sonora de tu pareja se convierte en la tuya, sobre todo cuando hablamos del camaleónico David Bowie. Así me ocurre, entre tantas canciones, con The Prettiest Star, el single del álbum Aladdin Sane, cuya portada, realizada por el fotógrafo británico Brian Duffy, abandera la retrospectiva de éste en el Centro de Historias de Zaragoza, del 6 de septiembre al 11 de noviembre, dentro de la programación de Zaragoza Photo' 2012.

   Junto a la portada se pueden ver las veintitantas tomas que realizó el artista ese día, y de las que ya dio un adelanto la revista musical Rolling Stone.

 La muestra de fotografías de Brian Duffy (1933-2010), comisionada por Mario Martín Pareja, cubre cuatro secciones: Faces/Rostros (retratos de actores y celebritis de la época), David Bowie series (Aladdin Sane, Scary Monster, Lodger, White Sand, etc.), Moda y Publicidad (campos en los que fue un verdadero innovador).

   Junto a ellas se pueden ver varios audiovisuales, entre ellos The man who shot the Sixties el documental que la BBC realizó sobre el artista antes de su muerte, y una banda sonora con la música de la época. Manuscritos, hojas de contacto y cámaras del autor completan la exposición junto a memorabilia y revistas que muestran el trabajo del fotógrafo.

P.D.: Esta entrada está dedicada al fotógrafo Sergio Camacho Torres, fan declarado de ambos, autor del afiche publicitario inspirado en una obra de Duffy para el Armario de Mamá.