ENTRE VENUS, PINOCHOS, POEMAS, HERRAMIENTAS Y CORAZONES

Jim Dine en el Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez 

El pasado mes de julio asistí al "preestreno" de la exposición del artista Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. La cosa prometía. El estadounidense iba a presentar la muestra a la prensa y a intervenir en directo uno de los muros de la sala –el día anterior  o esa misma mañana ya había dejado su grafía en otras paredes del museo–.

Poema de Jim Dine junto a una de sus esculturas en el Centro Pompidou
Málaga, julio de 2019. Fotografía: Lucía Rodríguez

Pinocho y poema de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

 A sus 84 años, el artista nos ofreció un recorrido por su vida y su arte a través de una retrospectiva que recoge una treintena de obras realizadas entre 1961 y 2016. Se mostró espontáneo y cercano, no rehuyó temas personales y tiró de ironía a la hora de responder algunas de las preguntas.
 La buena onda solo se alteró ante un malentendido: "A mí me gustaría que nos hablara de la importancia del arte en directo, de la intervención que va a hacer aquí también, de obras que va actualizando con el tiempo... ¿Qué valor tiene para él el arte que se produce en ese instante?", le preguntó una periodista. Se lo tradujeron a Jim, pero este no entendió lo que le decían. Pidió que se lo aclararan, e intervino en la traducción otra persona, pero al final, con idas y venidas, lo único que consiguieron fue embrollarlo todo más. La periodista se refería a la obra que iba a hacer en la pared, pero él entendió que le estaban diciendo que su obra estaba en proceso, y, claro, se rebotó: "¡Ésta es toda mi vida! ¡No es obra en proceso! ¡Está terminada!". Para mi asombro, nadie hizo más por aclarar el entuerto.

Jim Dine en la presentación a los medios de su exposición en el Pompidou
Málaga, 9 de julio de 2019. Fotografía: Lucía Rodríguez

Fragmento entrevista a Jim Dine

Entrevista completa a Jim Dine

 No sé si fue por aquella contrariedad, pero al terminar la entrevista y despedirse educadamente de los asistentes,  Jim Dine se fue sin intervenir el panel gris –dijeron que estaba cansado y que lo haría en otro momento–.

Panel preparado para la intervención de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Y como me picaba la curiosidad, hace unos días me pasé por el Pompidou para ver qué me encontraba en el panel.

Intervención de Jim Dine en uno de los paneles del museo Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Al volver a pasear por la exposición, pude confirmar que, como afirmaba el artista en el entrevista, ahí estaba toda su vida. Jim Dine, el padre del happening, se mueve entre la pintura, la escultura y la poesía para expresar sus vivencias, inquietudes o pensamientos, representados en los objetos, ropas y personajes que le han acompañado a lo largo de su existencia.

Pinocho, obra de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Pinocho refleja el sentimiento del artista en el proceso de creación; con las herramientas nos retrotrae a su infancia en la ferretería de sus abuelos; los albornoces, trajes, zapatos y otras prendas son una extensión del cuerpo del propio artista; y la Venus de Milo y los corazones elementos que conectan con el arte clásico y los sentimientos.

Esculturas de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez

Detalle de una obra de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

Obra de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez

Mi esmoquin muestra a la luz un sorprendente borde difuminado (1965)
Obra de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

"Esta exposición muestra el conjunto excepcional de obras donadas por Jim Dine entre 2017 y 2018 al Musée national d'art moderne, Centre Pompidou. Con esta donación, el artista quiso agradecer a Francia haberle inspirado una estética que ha alimentado su obra.A través de una lectura temática de las obras, la muestra destaca el trabajo introspectivo de Jim Dine. Él expresa su incesante exploración autobiográfica mediante la elección de objetos simbólicos: las herramientas evocan sus recuerdos de infancia y los corazones, sobre los que reposan ropas o utensilios del artista, conservan rastros de su vida. El autorretrato, hilo conductor de su obra, se disimula bajo múltiples alter ego. Los albornoces, las Venus o los Pinochos son figuras emblemáticas, encarnaciones metafóricas del artista. En obras recientes, su experiencia está representada por el tema del acto creativo.Los temas predilectos de Jim Dine se enmarcan en la actividad poética a la que siempre se ha dedicado. Sus poemas, construidos por cut-up, están trabajados como un material físico, "una cosa" con volumen peso, forma y, por supuesto, sonido. escritas por el artista con carboncillo en las paredes de la exposición, las palabras amplifican las cualidades plásticas y simbólicas de sus obras."

Cartela introductoria a la exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga. Fotografía: Lucía Rodríguez

Lucía Rodríguez realizando fotos en el preestreno de la exposición de Jim Dine en Málaga
Fotografía: Ñito Salas (Diario Sur)

Exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

Nota: Esta entrada está dedicada a Victoria Abón, profesora de fotografía de la Escuela de Arte de San Telmo, que fue quien me invitó al preestreno de la exposición de Jim Dine en el Centro Pompidou de Málaga.

Victoria Abón fotografiando la exposición de Jim Dine en el Pompidou de Málaga
Fotografía: Lucía Rodríguez

JOSÉ MEDINA GALEOTE EN EL PACTO INVISIBLE

Tenemos que asistir a la exposición de José Medina Galeote, en la galería de arte El Pacto Invisible, con el mismo espíritu con que lo hacen los corredores a una prueba de orientación, dispuestos a descubrir las balizas ocultas en la obra. Medina Galeote, que gusta de los mapas topográficos, nos desveló su territorio la mañana del pasado sábado en el coqueto patio de la galería, una casa del siglo XVIII que ha apostado por el Arte Contemporáneo.

José Medina Galeote en la galería de arte El Pacto Invisible
Fotografía: Lucía Rodríguez

José Medina Galeote en la galería de arte El Pacto Invisible
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Hay una obra en la exposición en la que la esquina de un lienzo se solapa con la de otro, ocultando una frase del escritor americano Paul Auster. Unas líneas sacadas de ese conjunto de reflexiones sobre el acto y el arte de escribir que es Experimentos con la verdad.

Obra de José Medina Galeote en la galería de arte El Pacto Invisible
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Y me resulta curioso y azaroso -supongo que al propio Auster también se lo parecería (o tal vez no tratándose del escritor de la contingencia y el azar)- que la página en la que está dicha frase contenga otras que, en conjunto, vienen a recoger -trocando la escritura por la pintura- el ideario artístico de Medina Galeote.

Página de Experimentos con la verdad, de Paul Auster (Editorial Anagrama)
Fotografía: Lucía Rodríguez

 Dicen que en uno de sus discursos, Paul Auster afirmó que el arte no tiene ninguna utilidad, pero nos hace más humanos.

 Sin duda, le da sentido al mundo.

Le Grand Tour -José Medina Galeote-
Fábrica Nacional de Moneda y Timbre
2015

Le Grand Tour en El Pacto Invisible
Obra de José Medina Galeote
Fotografía: Lucía Rodríguez Vicario

http://www.elpactoinvisible.es/

MUSEO PICASSO MÁLAGA: 24.09.2015 (18:09 h)

Louise Bourgeois (1911-2010) Spider (Araña)  1996  Bronce, pátina oscura.
Colección The Easton Foundation
Fotografía: Lucía Rodríguez (Museo Picasso Málaga, 2015)

"Louise Bourgeois es especialmente conocida por sus esculturas de arañas monumentales expuestas en todo el mundo. Para Bourgeois, la araña era un animal de connotaciones simbólicas positivas, a la que asociaba mentalmente con su madre que trabajaba remendando y tejiendo y que como ella, era ordenada y paciente. La araña también puede ser una representación de la propia artista, que crea a partir de su interior".

Araña, Louise Bourgeois. Museo Picasso Málaga, 2015
Fotografía: Pedro Delgado

LOUISE BOURGEOIS

HE ESTADO EN EL

INFIERNO Y HE VUELTO.

I HAVE BEEN TO HELL

AND BACK.

 Estas palabras, que dan título a la exposición, están extraídas de una de sus obras, un pañuelo bordado con esa frase, la cual continúa con un:

...Y PERMÍTANME DECIRLES QUE FUE MARAVILLOSO.

...AND LET ME TELL YOU, IT WAS WONDERFUL.

Lo mismo que podríamos decir de esta exposición. Los que la queráis ver, daros prisa: este domingo 27 es el último día.

¡¡A LAS BARRICADAS!!

 Leo el artículo de Iker Seisdedos en El País de hoy y me entran los siete males. Ya el título te encrespa de por sí (Almarcegui llena de escombros el pabellón español en Venecia), pero es ver la foto que lo acompaña y perlársete la frente de un sudor frío, de esos que producen escalofríos.

Aspecto del pabellón español en la Bienal de Venecia

 Vale que la artista zaragozana Lara Almarcegui haya querido reflejar que España está para el derribo, pero es que resulta que no es eso lo que ha querido escenificar. El artículo dice que  la artista ha descartado dobles lecturas sobre el hecho de que España envíe al mundial del arte contemporáneo una montaña de escombros de más de cuatro metros de altura. "No se trata de una reflexión sobre la burbuja inmobiliaria o la crisis; desgraciadamente, problemas como esos hay en todas partes y no solo en España".

 Según el articulista, es la búsqueda de la "poética del escombro" y "la fascinación por los descampados" lo que ha caracterizado el trabajo de Lara Almarcegui (que reside en Holanda y es una habitual del circuito europeo de exposiciones), un trabajo derivado del land art, término que he tenido que buscar en ¿Qué estás mirando? 150 años de Arte Moderno en un abrir y cerrar de ojos, el libro de Will Gompertz que me regaló Pedro por el día de algo o por gusto y que todavía no he tenido tiempo de leer.

 Allí, en la página 367 y 368, leo ahora que el land art es una rama del arte conceptual que estuvo muy en boga a finales de la década de los sesenta y principios de los setenta (por cierto, acabo de acordarme que lo de land art ya me sonaba del artículo del blog de Iñigo Navarro (Diferencias entre Body y Land art), aquel genial de las deposiciones en el campo).

 Will Gompertz escribe que el ejemplo más conocido de land art es Malecón espiral (Spiral Jetty, 1970), de Robert Smithson, una escultura monumental hecha de arena en el Great Salt Lake de Utah (donde los mormones de mi querido Brandon Flowers), arena que fue extraída de las rocas de basalto negro que pueblan la zona. "Es un camino sublime que no conduce a ninguna parte y que parece un cruce entre una oreja humana, una nota musical y el caparazón de un caracol". 

          

 Sol Le Witt dijo que "El arte conceptual es bueno sólo si la idea es buena". Descartada la metáfora de la situación española, lo demás no me convence.

 Y además nos informan que el proyecto, apoyado por Acción Cultural Española (AC/E), ha costado unos 400.000 euros, la mitad del coste del de Dora García de la última Bienal (¡Qué baratito! Encima ahorrando).

 ¡¡¿¿400.000 euros??!!

 Lo dicho: ¡¡¡A LAS BARRICADAS!!!

UN BESO SIN SENTIDO

Me envía el amigo Alfonso Alonso un enlace recomendándome La delicadeza, la película de los hermanos David y Stéphane Foenkinos (adaptación de la novela del primero) que protagonizó Audrey Tautou, a la que todos recordamos por su papel en Amelie.

 Gracias a la Fnac tuve la suerte de asistir a su preestreno en Málaga, y ahora, a través del enlace de rtve.es, rememoro la película: "Chica guapa conoce a chico guapo. Un amor perfecto hasta que el chico guapo muere en un accidente. La chica guapa está triste. Un día, sin motivo, casi de manera inconsciente besa a su compañero de trabajo: un tipo gris, invisible, callado y poco agraciado".

 Pero lo que me ha hecho escribir esta entrada es lo que dice David Foenkinos acerca de ese beso:

 "Es un beso que comparo con el arte moderno porque cuando estás frente al arte moderno no entiendes nada, no hay lectura, no hay explicación".

 La comparación es un tanto radical pero no me negarán que, en algunos casos, no le falta razón.